¡Nominan L_ENTES para los premios Dansacat 2012!

Los Premios Dansacat, organizados por la Asociación de Profesionales de la Danza de Cataluña (APdC), tienen como objetivo principal reconocer, incentivar y promocionar el trabajo de los profesionales de la danza en Cataluña.

El espectáculo L_ENTES de las coreógrafas Iris Heitzinger y Natalia Jiménez, que ha contado con el asesoramiento científico de la Mandarina de Newton, ha sido nominado finalista en la tercera edición de los Premios Dansatcat, en la categoría de Nuevos Talentos, por la calidad de su interpretación y por la generación de creaciones multidisciplinares, la inclusión de la ciencia en este proyecto y la utilización de espacios no convencionales.

Los ganadores se escogerán por votación popular, a través de www.dansacat.org. El periodo de votaciones se inició el 28 de noviembre y finalizará el 16 de diciembre. Los premios se entregarán el 20 de diciembre coincidiendo con el estreno de la pieza Little Me, de Lali Ayguadé.

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Créditos fotográficos: Yoana Miguel
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L_ENTES, el vídeo oficial

Hace un tiempo os hablábamos del proyecto L_ENTES, una propuesta artística de danza contemporánea dirigida por las creadoras y bailarinas Iris Heitzinger y Natalia Jiménez, donde la Mandarina de Newton colaboraba como asesora científica.

L_ENTES es un espectáculo de danza que juega con la ciencia y las matemáticas para hablar de tiempo, espacio, luz, sonido y percepción. Se estrenó el pasado 11 de mayo en el Festival NEO de Barcelona. Ahora ya podéis disfrutar del trailer oficial.

L_ENTES – official trailer from L_ENTES on Vimeo.

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Neurociencia y danza

El pasado martes día 17 de enero asistí a la conferencia “Dancing as an expression of chroreographic thought of physical intelligence” de Scott Delahunta en CosmoCaixa. Esta conferencia formaba parte del ciclo “El cerebro invade la ciudad

Scott Delahunta es bailarín de formación, pero su investigación no se basa en el ámbito del arte si no en el ámbito de los procesos y las experiencias. El foco de interés de Scott Delahunta es la mente (y no el cerebro) de los bailarines y coreógrafos. Le interesa cómo se llegan a crear las piezas y las cosas en general.

Delahunta nos propone que la relación entre la danza y la ciencia va más allá del sistema motor. La danza y la ciencia también se relacionan mediante la psicología cognitiva.

Durante mucho tiempo la humanidad ha pensado que el conocimiento sólo se producía a través de las palabras y el lenguaje, pero él ha descubierto que existen otros factores clave en este proceso. Para llegar a estas conclusiones ha trabajado con coreógrafos de diferentes países, como por ejemplo Malpelo, Wayne McGregor o Trisha Brown.

Las ideas en movimiento cambian y evolucionan constantemente. La danza es expresión de emociones y pensamientos. Tal vez no existe una distinción tan clara entre el hacer y el pensar. Delahunta propone que el hacer también tiene pensamiento. También habla del pensamiento coreográfico y apunta hacia la mente colectiva de los bailarines durante una pieza aprendida o improvisada. En una pieza donde intervienen varios bailarines, las relaciones entre estos son muy importantes. Esto nos lleva a pensar en una mente colectiva. En las conexiones está la mente de la pieza.

Delahunta comenta que las preguntas que se hacen los bailarines son muy similares a las cuestiones que se plantean los científicos. Por eso, ambos mundos no están tan alejados.

Delahunta se ha interesado por las maneras de anotar la danza. Se ha preguntado cómo las libretas y páginas son o pueden ser la extensión del propio cuerpo para un bailarín/a. Las anotaciones que ellos y ellas hacen están relacionadas con un conocimiento que está dentro del cuerpo. De hecho, los bailarines tienen que externalizar y representar gran parte del conocimiento que está en su interior.

Han llevado a cabo proyectos vinculados a estos temas y han escrito algunos artículos científicos sobre estos temas como por ejemplo:

  • Choreography and cognition (AtaXia 2004)
  • Chroreographic Thinking Tools: Este proyecto tenía el objetivo de aumentar el proceso creativo. La idea era estudiar los estímulos de la mente de los bailarines para ayudarlos a entender su propio proceso e incrementar su imaginación.
  • The choreographer language agent
  • Improvisation technologies: a tool for the analitycal dance eye 1994/1999. (William Forsythe: Improvisation Technologies. A Tool for the Analytical Dance Eye. CD-ROM and booklet with a text by Roslyn Sulcas. Stuttgart, 1999 – ISBN 3-7757-0850-2)
  • Synchronous objects for one flat thing beta, reproduced by William Forsythe

Delahunta explicó diferentes técnicas de creatividad utilizadas por diferentes coreógrafos. Además comentó que en la danza contemporánea los coreógrafos ya no marcan unos pasos a los bailarines, si no que crean procesos de creación y son los bailarines quienes componen. De esta forma es más rico y los bailarines lo encuentran más satisfactorio.

Algunas tareas para estimular la creatividad:

  • Visualizar imágenes
  • Recordar melodías
  • Pasar de imágenes acústicas a imágenes visuales
  • Los 27 puntos de un cubo (Trisha Brown Locus) –> 27 puntos –> 27 letras => palabras –> emociones –> movimiento. (Va más allá de la forma estética. Con esta técnica creamos nuevos espacios)

Delahunta también comentó que se pueden encontrar más técnicas creativas en:

Para saber más, podéis consultar:

Además, encontraréis conferencias de Scott Delahunta en Youtube.

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Nace el proyecto L_ENTES

El proyecto L_ENTES es una propuesta artística de un espectáculo de danza contemporánea iniciado y dirigido de la mano de las creadoras y bailarinas Iris Heitzinger y Natalia Jiménez, en el que la Mandarina de Newton S.L. colabora como asesora científica.

El proyecto se basa en el encuentro de cuatro disciplinas, la danza y el movimiento como lenguaje global del cuerpo, la ciencia y la matemática y en especial los conceptos sobre mecánica clásica, óptica y física relativista, la iluminación como medio artístico independiente y el sonido.

Como eje central de trabajo se investiga la percepción humana. En el primer plano del encuentro con el público se sitúa el cuerpo en movimiento.

En todos los procesos de creación de artes escénicas los conceptos de espacio, tiempo, luz, sonido y movimiento están presentes, normalmente como vehículos de la expresión. Esta vez, sin embargo, el enfoque se dirige conscientemente hacia estos conceptos convirtiéndolos en los principales protagonistas.

Pero estos conceptos están presentes, no sólo en el mundo de las artes escénicas, sino en nuestro día a día y crean la percepción de nuestro entorno. Así mismo se nos presentan las siguientes cuestiones: ¿Qué percibimos? ¿Cómo lo percibimos? ¿Dónde está la frontera entre realidad e ilusión? ¿Qué reacciones se provocan en el observador cuando éste es invitado a explorar el límite entre lo natural y lo artificial, naturaleza y arte?

Queremos ofrecer al público una nueva experiencia. Dirigimos la atención a la propia experiencia del espectador en el momento preciso. Se ofrece la posibilidad de percibir un entorno ya conocido con una nueva mirada y se crea un enlace entre el arte y el espacio comunitario, habitado.

Teniendo en cuenta que lo que nos rodea habitualmente es más el artificio que la naturaleza, se entiende la última como el concepto menos experimentado. Así, se quiere ofrecer al público una nueva experiencia que extiende la percepción de lo natural a través del arte.

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